Diferencia entre revisiones de «Escultura helenística»

La '''escultura helenística''' representa una de las más importantes expresiones artísticas de la cultura del [[Helenismo]] y el estadio final de la evolución de la tradición de [[escultura de la Antigua Grecia]]. La definición de su vigencia cronológica, así como de sus características y significado, ha sido objeto de largas discusiones entre los historiadores del arte, y parece que se está lejos de alcanzar un consenso.<ref>{{Harvsp|Ridgway|2001|pp=3-6}}</ref> Usualmente se considera como período helenístico comprendido entre la muerte de [[Alejandro Magno]], en el [[323 a. C.|323 a.&nbsp;C.]], y la conquista del [[Antiguo Egipto]] por los [[Imperio romano|romanos]] en [[30 a. C.|30 a.&nbsp;C.]]<ref>{{cita web|url=http://www.britannica.com/EBchecked/topic/260307/Hellenistic-Age# |título=Hellenistic Age|idioma=inglés|editor=Encyclopaedia Britannica online|fechaacceso= 25 de enero de 2012}}</ref> o más exactamente en 31 a.&nbsp;C. —triunfo de [[César Augusto]] sobre [[Marco Antonio]] en la [[batalla de Actium]]—.<ref>{{Harvsp|DDAA|loc=Historia del Arte Espasa p.219|2004}}</ref> Sus características genéricas se definen por el [[eclecticismo]], el [[secularismo]] y el [[historicismo]], tomando como base la herencia de la [[escultura griega clásica]] y asimilando influencias orientales.<ref>[http://www.britannica.com/EBchecked/topic/530221/Western-sculpture ''Western sculpture: Hellenistic period'']. Encyclopaedia Britannica online. Consultado el 11 abril de 2009</ref> Entre sus contribuciones originales a la tradición griega de la escultura se encuentran el desarrollo de nuevas técnicas, el perfeccionamiento de la representación de la [[anatomía humana|anatomía]] y de la expresión emocional humana, y un cambio en los objetivos e interpretaciones del arte, abandonándose el genérico por el específico. Eso se tradujo en el abandono del idealismo clásico de carácter [[ética|ético]] y [[pedagogía|pedagógico]] en busca de una enfatización de los aspectos humanos cotidianos y del encaminamiento de la producción para fines puramente [[estética|estéticos]] y, ocasionalmente, propagandísticos. La atención dada al hombre y a su vida interior, sus emociones, sus problemas y sus anhelos comunes, resultó en un estilo realista que tendía a reforzar el drama, el prosaico y el movimiento, y con él aparecieron los primeros [[retrato]]s individualizados y verosímiles del arte occidental. Al mismo tiempo, ocurrió una gran ampliación de la temática, con la inclusión de representaciones de la vejez y de la infancia, de deidades menores no [[dioses olímpicos|olímpicos]] y de personajes secundarios de la [[mitología griega]], y de figuras del pueblo en sus actividades diarias.<ref>{{cita web|url=http://www.visual-arts-cork.com/antiquity/greek-sculpture-hellenistic-period.htm |título=Hellenistic Greek Sculpture|editor= Encyclopedia of Irish and World Art|idioma=inglés|fechaacceso=25 de enero de 2012}}</ref><ref>{{Harvsp|Ridgway|2001|p=10}}0</ref>

El gusto por el [[historicismo]] y el aprendizaje que caracteriza la escultura helenística se reflejó con el fin de fomentar la producción de nuevas obras deliberadamente retroactiva, y también de copias literales de obras antiguas, especialmente en función de la búsqueda de composiciones célebres de la [[escultura griega|escultura griega clásica]] por parte del gran mercado consumidor romano. Como resultado, la escultura helenística se convirtió en una influencia central en toda la historia de la [[escultura de la Antigua Roma]]. A través de la Roma helénica se ha conservado para la posteridad una valiosa colección de modelos formales y de copias de importantes piezas de autores griegos consagrados, cuyos originales desaparecieron con el tiempo en épocas posteriores, y sin los cuales nuestro conocimiento de la [[escultura de la Antigua Grecia]] sería mucho más pobre.<ref>{{cita web|url=http://www.britannica.com/EBchecked/topic/530221/Western-sculpture |título=Western sculpture: Hellenistic period|editor= Encyclopaedia Britannica online|fecha=22 de abril de 2009|fechaacceso=25 de enero de 2012|idioma=inglés}}</ref> Por otro lado, el imperialismo de Alejandro Magno hacia el este, llevó al [[arte griego]] a regiones lejanas de [[Asia]], que influyeron en la producción artística de muchas culturas orientales, creando una serie de derivación de estilo híbrido y la formulación de nuevos tipos de escultura, entre que tal vez la más influyente en el [[Oriente]] ha sido la [[iconografía]] de [[Buda]], previamente prohibida por la tradición budista.<ref>{{Harvsp|Banerjee|2007|pp=74-76}}</ref> Para el [[Occidente]] moderno, la escultura helenística fue importante con una fuerte influencia en la producción [[escultura del Renacimiento|renacentista]], [[escultura del Barroco|barroca]] y [[escultura neoclásica|neoclásica]].<ref>{{Harvsp|Jenkyns|1992|pp=295-326}}</ref> En el {{siglo |XIX||s}} la escultura helenística cayó en desprestigio y pasó a ser vista como una simple degeneración del ideal clásico, un prejuicio que entró en el {{siglo |XX||s}}, y solo recientemente se empezó a dejar de lado, por las investigaciones más completas sobre este tema y aunque su valor sigue siendo cuestionado por núcleos resistentes de la [[crítica de arte]] y su estudio obstaculizado por una serie de razones técnicas, parece que la rehabilitación completa de la escultura helenística por los expertos es solo cuestión de tiempo, pues para el público en general ya ha demostrado ser de gran interés, garantizando el éxito de las exposiciones donde se muestra.<ref name="Rid3-12">{{Harvsp|Ridgway|2001|pp=3-12}}</ref><ref name="Cha353">{{Harvsp|Chamoux|2003|p=353}}</ref><ref name="Green338">{{Harvsp|Green|1993|p=338}}</ref>

Con la presencia de Macedonia en pleno suelo griego, y el espíritu imperialista de Alejandro, ese mundo más o menos estático sufrió un profundo ''shock'' y comenzó a experimentar una transformación que volvería aquella vida tradicional y comunitaria en una cosa del pasado. Alejandro había fundado varias ciudades en sus campañas, fomentando una importante migración de población griega, incluyendo a miles de artistas,<ref>{{Harvsp|Tritle|Heckel|2009|p=129}}</ref> que fueron a intentar suerte en un ambiente étnico y cultural extraño, con la creación de nuevas sociedades cuya nota dominante era la inseguridad y movilidad en todos los niveles. Después de su muerte, sus sucesores realizaron una serie de luchas de poder, provocando el colapso del imperio en medio de una agitación intensa y una pérdida general de los antiguos parámetros y expectativas de la sociedad greco-macedonia. En la dirección opuesta [[Roma]] comenzó su expansión agresiva y depredadora, con la disminución de la autoconfianza, el idealismo y los antiguos valores colectivos sociales y religiosos, generando una retirada y la desilusión en los individuos mediante la penuria moral del cinismo político y de la violencia de los tiempos, aspectos que fueron enmascarados por la simple búsqueda del placer y realizados artísticamente a través de un [[realismo artístico|realismo]] a menudo cargado de [[dramatismo|drama]]. La diversa procedencia de los colonos y la notoria [[xenofobia]] greco-macedonia, obstaculizaron las alianzas sociales duraderas y fiables en las tierras conquistadas, y para los artistas el [[mecenazgo]] estaba sujeto a caprichos personales y a frecuentes oscilaciones en el gusto de la élite gobernante, de acuerdo con las inclinaciones [[política]]s cambiantes. No es de extrañar entonces que [[Plinio el Viejo|Plinio]], un clásico, dijese que el {{siglo |III |a. C.|s}} fue un periodo en el que las artes desaparecieron. Para algunos, esos tiempos pudieron tener un cierto interés emocionante, pero los [[filósofo]]s de la época indican una aguda conciencia de que esta fase era de gran inestabilidad,<ref>{{Harvsp|Green|1993|pp=337-338}}</ref><ref name="Pollit86"/> nació incluso un sentido velado de culpa por la caída de los antiguos valores morales ante el nuevo panorama urbano mundano y corrupto, que sería la fuente de una larga tradición de búsqueda del retorno a la vida sencilla, primitiva y auténtica de los campesinos, aunque ese cambio nunca se pudiese realizar, de hecho solo de manera simbólica, en los periódicos revivalismos clásicos —el primero de ellos ocurrió hacia el final del helenismo— y en los sueños de la [[poesía]] [[bucolismo|bucólica]] —como el poeta [[Teócrito]] junto con [[Calímaco (poeta)|Calímaco]] y [[Apolonio de Rodas]]— que pueblan la [[historia del arte]] a través de la pintura y la escultura, desde aquellos tiempos hasta la actualidad.<ref>{{Harvsp|Green|1993|pp=340-341}}</ref><ref>{{Harvsp|Barral i Altet|1987|p=198}}</ref>

[[Archivo:Alexander-Helios Capitolini.jpg|thumb|''Retrato de Alejandro como Hélios'', {{siglo |III||s}}-II a.&nbsp;C., el conseguir realzar el propio carácter del personaje fue una de las innovaciones principales en la escultura hel·lenística.]]

Formalmente las características generales de la escultura helenística derivan principalmente de la obra de tres grandes artistas: [[Escopas]], [[Praxíteles]] y [[Lisipo]], que lideraron la transición de la [[escultura griega clásica]] al periodo helenístico, a mediados del {{siglo |IV |a. C.|s}}<ref>{{Harvsp|Ridgway|2001|pp=13-15}}</ref> En términos de la expresividad y su carácter narrativo, su producción tiene mucha más relación con el helenismo que con el [[Escultura griega clásica#Alto clasicismo|Alto clasicismo]] que lo precedió, aunque en el terreno del estilo, dicho origen clásico permaneció evidente. Se inició el proceso de abandonar la idealización para trazar la representación a nivel humano, incluso cuando se trataba de imágenes de divinidades. Con un deje de ironía, el historiador Jerome Pollitt comenta una obra atribuida a Praxíteles, el ''[[Apolo Sauróctono]]'', en la que ve una imagen de la decadencia del [[estatus social|estatus]] de un dios viril matando a un dragón, a un efebo afeminado que apenas puede protegerse de una lagartija común, fue un período en el que los viejos mitos estaban empezando a perder su aura divina y su poder real de inspiración, y empezaban a ser desacreditados en una sociedad fuertemente profana y urbana, con todo esto, se pudo volver la atención con más fuerza hacia el retrato del hombre, sus problemas y éxitos específicos y su universo interior.<ref>{{Harvsp|Pollit|1972|pp=136; 154}}</ref>

* primera fase, incluye el final del {{siglo |IV |a. C.|s}} con el inicio del {{siglo |III||s}}, llamada la fase «simple», dominada por una ecléctica mezcla de estilos derivados de las obras de los maestros de la escultura griega clásica, y sus obras tienden a organizarse en torno a un eje central de atención;

* segunda fase, el resto del {{siglo |III |a. C.|s}} hasta mediados del {{siglo |II |a. C.|s}}, una etapa cuya caracterización es muy difícil por la escasez de testimonios, pero parece que dio lugar a nuevas tipologías y a una tendencia más dramática en la escultura, y por lo tanto fue denominada como «pomposa», «barroca» o «patética»;

* tercera fase, llamada «abierta» entre la mitad del {{siglo |II |a. C.|s}} y el {{siglo |I |a. C.|s}}, donde las composiciones se hicieron fuertemente centrífugas, el eclecticismo se acentuó más y hubo un renacimiento de la tradición clásica.<ref>{{Harvsp|Ridgway|2001|pp=5-8 ; 372-374}}</ref>

Archivo:10 2023 - Palazzo Altemps, Roma, Lazio, 00186, Italia - Galata suicida (Ludovisi Gaul) Altemps- Arte Ellenistica Greca - Copia Romana - Photo Paolo Villa FO232046 ombre Inv8608gimp n3bis.jpg|''[[Gálata Ludovisi]]'', siglo II a. C., copia romana. Ejemplo de la segunda fase.

En Atenas prosiguieron con el influjo dejado por los modelos clásicos y sus escultores, los talleres fueron mantenidos por [[Cefisodoto el joven|Cefisodoto]] y [[Timarcos]] hijos de [[Praxíteles]] y por los seguidores de [[Escopas]]. Se realizaron una serie de [[Afrodita]]s que además de su colocación en pie se presentaban en cuclillas, entre las que se encuentra la ''Afrodita agachada'' del [[Museo del Louvre]] copia del bronce del escultor [[Doidalsas de Bitinia]] de mediados del {{siglo |III |a. C.|s}} A estos mismos talleres pertenece el retrato naturalista de [[Demóstenes]] atribuido a Polieucto y que se colocó en el [[ágora de Atenas]] c. 280 a.&nbsp;C.<ref>{{Harvsp|Barral i Altet|1987|p=212}}</ref> Otro posible retrato del gramático y poeta [[Calímaco (poeta)|Calímaco]], que antes se creía que representaba a [[Séneca]], muestra un extremo verismo en los rasgos personales de los cabellos despeinados, arrugas faciales y expresiva mirada. A partir de este naturalismo se llegó a la representación de composiciones como el ''[[Espinario]]'' del que se realizaron numerosas copias o el ''Niño con una oca'' cuyo original era de Boetas y del cual también se encuentran varias versiones, la predilección por este naturalismo también llegó a la manifestación de la vejez, a veces incluso groseramente, como por ejemplo la figura de la Vieja embriagada.<ref>{{Harvsp| Pijoan| 1966 |pp=222-223}}</ref> El taller de [[Lisipo]] también fue seguido por sus hijos [[Daifos]], [[Boidas]] y [[Euticrates]] además de otros discípulos de los que destacó [[Eutiquides]] de [[Sición]] entre cuyas obras más conocidas destaca la ''Tique de Antioquía''. La ''[[Venus de Milo]]'' —inspirada en la ''Venus de Capua'' de Lisipo—, es una escultura original en mármol de una altura mayor que el natural, que está datada de finales del {{siglo |II |a. C.|s}} y es una de las más famosas y populares de la escultura helenística. En la etapa final de esta época se encuentran el ''[[Gladiador borghese]]'' en el Museo del Louvre obra del autor [[Agasio de Éfeso]] y el ''[[Torso de Belvedere]]'' del [[Museo Pio Clementino]] de la [[Ciudad del Vaticano]], firmada por [[Apolonio de Atenas]] circa del 50 a.&nbsp;C.<ref>{{Harvsp|DDAA|loc=Historia del Arte Espasa pp.220-221|2004}}</ref>

A partir de la segunda mitad del {{siglo |II |a. C.|s}} en Atenas se dio un resurgimiento del arte escultórico del pasado, esta producción ha recibido el nombre de [[neoaticismo|escultura neoática]] que se extendió hasta e tiempo de la Roma de [[Augusto]]. Se trataba de un arte estilístico que en oposición a los que se realizaban en [[Pérgamo]] o [[Alejandría]] se inspiraba en los modelos de formas clásicas con ciertas aportaciones del gusto ecléctico romano, por lo tanto no eran copias exactas de esculturas antiguas sino nuevas interpretaciones. Se decantaron entre otros por la elección de la escuela de [[Fidias]] con creaciones libres del escudo de la ''[[Atenea Pártenos]]'' realizadas por los escultores [[Timocles de Atenas]] y [[Timárquides]]; se hicieron reproducciones del [[frontón (arquitectura)|frontón]] del [[Partenón]], de la ''Atenea de Éfeso'' de [[Alcámenes]] o el ''[[Púgil en reposo]]'' de bronce atribuido a [[Apolonio de Atenas]] o a [[Lisistrato]] hermano de Lisipo. La elaboración se extendió a vasos y recipientes de mármol con [[bajorrelieve]]s como el monumental ''candelabro de Villa Adriana'' y la ''[[crátera]] Borghese''. Este término de escultura neoática, fue empleado por el historiador y arqueólogo [[Friedrich Hauser]] en el año 1889 en su obra ''Die Neuattischen Reliefs''.<ref>{{Harvsp|Barral i Altet|1987|p=220}}</ref>

[[Siracusa (Sicilia)|Siracusa]] fue, antes de ser devastada por los romanos, una de las ciudades más ricas de la [[Magna Grecia]], con una pujante actividad escultórica. Después del paso romano, (212 a.{{esd}}C.) que le privó de todas sus obras, la ciudad recuperó algo de prestigio mediante la producción artística de estatuas de terracota a partir de tradiciones locales. Otras ciudades en donde existe un importante legado son [[Tarento]], una de las zonas mejor conservadas en cuanto a la escultura desde el {{siglo |III||s}} a. C, y en [[Agrigento]].<ref>{{Harvsp|Ridgway|2001|pp=368-369}}</ref>

Desde los orígenes de Roma, su escultura estuvo bajo la influencia griega. En primer lugar a través de la [[escultura etrusca]], que fue una interpretación del arte del período arcaico de Grecia, y luego el contacto con las colonias griegas de la Magna Grecia del sur de la península itálica. Cuando los romanos comenzaron su expansión por el Mediterráneo, en sus campañas militares, saquearon varias ciudades donde había grandes colecciones de escultura helenística, entre ellas la próspera Siracusa dominada en 212 a.&nbsp;C. Según los relatos, el botín de guerra fue fantástico y fue llevado a Roma para adornar la capital, consiguiendo de inmediato el favor del público sobre la escultura de tradición etrusca. Este saqueo fue seguido por otros varios: [[Tarento]] en 209 a.&nbsp;C., [[Eretria]] en 198 a.&nbsp;C., [[Peloponeso]] en el año 196 a.{{esd}}C., el de [[Siria]] y [[Anatolia]] en 187 a.&nbsp;C., [[Antigua Corinto|Corinto]] en 146 a.&nbsp;C., [[Atenas]] en 86 a.&nbsp;C. y [[Sicilia]] en 73-71 a.&nbsp;C., con unas apropiaciones de las obras de arte tan ávidas que a veces causaron indignación entre los mismos senadores romanos, como [[Catón el Viejo|Catón]] que denunció estas formas de actuar y consideró que era una influencia negativa para el arte romano. El resultado fue cubrir Roma de arte helenístico y atraer para el nuevo poder diversos artistas, tales como [[Pasiteles]], [[Sosikles]] y [[Policles]], de este último, entre sus obras más conocidas se encuentra el ''Hermafrodito dormido'', cuyo original de bronce está perdido, aunque se realizaron varias copias, la más famosa es el ''[[Hermafrodito Borghese]]'' encontrado en las [[Termas de Diocleciano]] a principios del {{siglo |XVII||s}} y en la actualidad en el [[Museo del Louvre]]. Este grupo de artistas comenzaron a crear una escuela de escultura local, fundada con los principios del arte helenístico y fue la responsable de transmitir a la posteridad a través de copias una serie de famosas obras griegas y cuyos prototipos originales acabaron perdiéndose, al mismo tiempo, también desarrollaron tipologías típicamente romanas. Más tarde, la escultura clásica-helenista romana sería el vínculo de transición hacia el [[arte bizantino]] y para el desarrollo de la [[iconografía]] [[cristianismo|cristiana]].<ref >{{Harvsp|Sarton|1993|pp=511-514}}</ref><ref >{{Harvsp|Strong|1969|pp=27-28}}</ref><ref>{{cita web |autor=Department of Greek and Roman Art| url=http://www.metmuseum.org/toah/hd/rogr/hd_rogr.htm |título=Roman Copies of Greek Statues|editor= In Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art|año=2000|idioma=inglés|fechaacceso= 7 de febrero de 2012}}</ref><ref>{{cita web|apellido=Awan|nombre= Heather T|url= http://www.metmuseum.org/toah/hd/rsar/hd_rsar.htm |título=Roman Sarcophagi|editor= In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art|año=2000|idioma=inglés|fechaacceso= 7 de febrero de 2012}}</ref>

El contacto entre las civilizaciones griega y etrusca está documentado desde el {{siglo |VIII |a. C.|s}} y a lo largo de toda la historia del arte etrusco la influencia griega se mantuvo. Al final del {{siglo |IV |a. C.|s}}, cuando se inició el helenismo, la influencia romana ya empezaba a predominar sobre la región y la cultura etrusca se encontraba en declive. Sin embargo, en este periodo se creó un nuevo tipo de escultura, el [[sarcófago]] con imágenes representando retratos de los difuntos. Otra contribución etrusca a la escultura helenística es la tipología de madre sentada con su hijo en su regazo, cuyo ejemplo más conocido es la [[Mater Matuta]] del [[Museo Arqueológico Nacional de Florencia]].<ref>{{Harvsp|Bonfante|1986|pp=5-12; 92}}</ref> Típica de la tradición etrusca es la preferencia para su uso de la [[terracota]] en la producción de ex-votos, sofisticadas piezas de carácter decorativo, jarrones —algunos en forma de cabeza humana— y en la decoración arquitectónica, con ejemplares de alta calidad en varios templos de [[Luni]], [[Tarquinia]] y otros lugares que presentan rastros de la influencia del helenismo oriental.<ref>{{Harvsp|Cristofani|1985|pp=22-25}}</ref> Por último, los etruscos también se mostraron como expertos artistas en bronce, con la creación de una colección de retratos de cuerpo entero y bustos, que en su naturalismo, se aproximan al estilo de la escultura romana en estos géneros.<ref>{{Harvsp|Honour / Fleming|2005|p=177}}</ref>

Después de la fundación de [[Alejandría]] la ciudad pronto se convirtió en un importante centro de cultura helenística. Allí se construyó la famosa [[Biblioteca de Alejandría|Biblioteca]], que incluía anexo uno de los primeros museos del mundo, y a su alrededor floreció un importante grupo de filósofos, escritores y científicos, que dieron una contribución muy relevante para la cultura helenística en su conjunto. En el terreno de la escultura, al carecer de [[mármol]] se realizaron la mayoría en piedras [[caliza]]s o en piedras más duras empleadas desde siempre por los egipcios como el [[basalto]] o el [[granito]]. [[Egipto]] poseía una larga y brillante tradición escultórica, y los faraones macedonios encontraron una cultura bien establecida, desarrollaron una práctica artística dual. Para la elite griega, que en su mayoría vivían en Alejandría y poco se relacionaba con la realidad del resto del país, se produjo un arte helenístico y para el pueblo autóctono un arte que siguió las antiguas tradiciones faraónicas, y que poco intercambio se efectuó entre ellos.<ref>{{Harvsp|Pollit|1986|p=250}}</ref> Incluso en el campo de la retratística oficial la duplicidad se mantuvo, aunque en raras ocasiones se observa una mezcla significativa de estos dos estilos tan en contraste, con alteraciones en las características tradicionales de los peinados y el vestuario y el aspecto de los símbolos del poder, mostrando una adaptación selectiva del estilo helenístico. El resultado de una serie de retratos de los [[Ptolomeos]] realizados a finales del {{siglo |IV |a. C.|s}} fue la perfecta ejecución de la tradicional figura de los faraones. Un grupo escultórico que resaltó entre otros fue la representación alegórica del [[río Nilo]] rodeado por dieciséis niños que corresponden a los codos que debía tener el río durante su inundación para conseguir una buena cosecha, se encuentra expuesto en los [[Museos Vaticanos]].<ref name="DDAA_1">{{Harvsp|DDAA|loc=Historia del Arte Espasa p.222|2004}}</ref><ref>{{Harvsp|Stanwick|2002|pp=33 y ss.}}</ref>

[[Pérgamo]], entre el {{siglo |III |a. C.|s}} y el {{siglo |II |a. C.|s}}, emerge como uno de los centros más activos de producción de la escultura, de acuerdo con el generoso mecenazgo de sus reyes. Bajo el mandato de [[Atalo I]] —tras sus victorias sobre los galos—, mandó construir unos grupos conmemorativos en bronce, uno fue donde se desarrolló una tipología de guerreros heridos, entre los que destacan por su patetismo las esculturas del ''[[Gálata moribundo]]'' del [[Museo Capitolino]] y el ''[[Gálata Ludovisi]]'' o ''Gálata suicidándose con su esposa'' del [[Museo Nacional Romano]], ambos entre el 240-200 a.&nbsp;C., mientras que el otro grupo se realizó con las famosas [[amazona (mitología)|amazonas]] luchando contra guerreros griegos, entre otras representaciones.<ref>{{Harvsp|DDAA|loc=Historia del Arte Espasa p.221|2004}}</ref> A esta escuela de Pérgamo se atribuye también el grupo del [[sátiro]] [[Marsias]] a punto de ser desollado colgado de un árbol. Siguiendo con su estilo clásico también son de destacar las esculturas del ''[[Fauno del cabrito]]'' del [[Museo del Prado]] y la ''Atenea de Pérgamo'' del Museo de Berlín, copia de la ''[[Atenea Pártenos]]'' de [[Fidias]] y el ''[[Fauno Barberini]]'' que representa un fauno, en un profundo sueño producto de su embriaguez. Fue restaurada por [[Bernini]] en el {{siglo |XVII||s}}, actualmente en la [[Gliptoteca de Múnich]].<ref name="DDAA_1">{{Harvsp|DDAA|loc=Historia del Arte Espasa p.222|2004}}</ref>

Después de la partición del imperio alejandrino se formó en el [[Oriente Medio]] y [[Oriente Próximo]] el imperio helenístico de los [[seléucidas]], con varias ciudades nuevas fundadas por Alejandro y sus sucesores. La disolución gradual de las antiguas instituciones [[persas]] en otras muchas ciudades antiguas adoptaron un modelo administrativo similar a la [[polis]] griega, en pocas décadas la elite persa se helenizó, y todo aspirante a una posición social destacada necesitaba conocer el idioma griego y ser versado en la cultura helénica. Pero el impacto de la helenización, que alcanzó diversas formas culturales, no prevaleció entre la masa del pueblo y su lugar en la historia local, resultó fugaz. A mediados del {{siglo |III |a. C.|s}} el [[imperio seléucida]] se fragmentó, dando lugar a la [[Dinastía arsácida de Partia|Dinastía arsácida]] que pronto comenzó a expandirse.[[Archivo:StandingBuddha.jpg|thumb|Buda de la escuela de Gandhara ({{siglo |I||s}}).]]Durante este período se inició un proceso de reversión de las antiguas tradiciones, cuyo efecto se extendió más allá de las fronteras y determinó una reacción anti-helenística también en la [[India]], [[Siria]], [[Arabia]], [[Anatolia]] y otras regiones con la consiguiente disminución del interés local por la escultura.<ref>{{Harvsp|Yarshater|1993|pp=23-25; 36}}</ref> Durante el tiempo que estuvo la presencia griega-macedonia, se produjo un importante intercambio de influencias con la cultura autóctona, incluso [[Platón]] absorbió elementos de la religión del [[Zoroastrismo]] en su filosofía. En la escultura sobreviven varios ejemplos locales de alta calidad de la época seléucida, sobre todo en imágenes de bronce de dioses, figuras reales y estatuas diversas, y de la fase arsácida existen relieves grabados en piedras, de gran interés y claro estilo híbrido.<ref>{{Harvsp|Ayatollahi|2003|pp=92-95}}</ref>

El arte helenístico fue capaz de influir en la cultura de países lejanos como en la [[India]] y [[Afganistán]], que en el momento de las conquistas de Alejandro ya poseían una antigua tradición artística. Se fundaron colonias helenísticas en [[Reino grecobactriano|Bactria]] y [[Punyab]], que dieron lugar a la llamada escuela de [[Gandhara]] cuyo arte —merced a los influjos griegos— es conocido como [[arte grecobudista]]. Los griegos fueron los responsables de la inauguración de una nueva tipología de escultura, de gran importancia para la [[religión budista]], incluso de la propia imagen de [[Buda]], cuando su representación era considerada hasta entonces un [[tabú]]. Se conservaron en gran parte los cánones artísticos hindúes, pero en otros géneros menos cargados de simbolismo, las huellas occidentales en la estatuaria son más evidentes. La escuela se mantuvo hasta el {{siglo |V||s}}.<ref>{{Harvsp|Gauranga|2007|pp=74-76}}</ref>

Los templos y edificios públicos del periodo helenístico en general no continuaron la práctica de decoración abundante en sus fachadas como en las fases anteriores, con grandes grupos escultóricos en los [[frontón (arquitectura)|frontones]], [[metopa]]s, [[acrotera]]s y [[friso]]s en [[relieve (arte)|relieves]]. El trabajo se concentró más en el mantenimiento y restauración de edificios antiguos que en la construcción de otros nuevos. Hay edificios decorados helenísticos, pero la mayoría son de poco interés, tanto por la baja calidad intrínseca de la escultura como por su pequeña cantidad, o su estado actual está tan ruinoso que impide una evaluación precisa de su valor. Se encuentran algunas excepciones muy valiosas a esta regla. Datado de principios del periodo helenístico es el templo de [[Artemisa]] en [[Epidauro]]. Poseía varias representaciones de [[Niké]] como acrotera alada, cuatro de ellas aún persisten aunque ya sin las alas. Su estilo muestra una excelente talla en las vestiduras de las figuras, que consigue efectos de transparencia en sus movimientos.<ref>{{Harvsp|Ridgway|2001|pp=150-151}}</ref> Del mismo tiempo y aún más rico, es el templo de [[Atenea]] en [[Ilion]], la antigua [[Troya]]. La fecha del templo ha sido estimada alrededor de 300 a.&nbsp;C., pero la fecha de su decoración escultórica es más problemática. Poseía sesenta y cuatro metopas, aunque no se sabe cuantascuántas estaban esculpidas. De las que se conservan, la más importante y prácticamente intacta, muestra a [[Helios]] y su carruaje. Otras son fragmentos y presentan escenas de batallas y posiblemente, uno de los conjuntos trata de la [[Gigantomaquia]]. Su estilo ecléctico sugiere influencias extranjeras.<ref>{{Harvsp|Ridgway|2001|p=154}}</ref><ref>{{Harvsp|Webb|1996|pp=48-49}}</ref>

[[Archivo:Frieze Magnesia ad Meandrum 32 Louvre.jpg|thumb|Friso de [[Heracles]] combatiendo contra las [[amazona (mitología)|amazonas]] en el templo de Artemisa Leucopriene de Magnesia ( {{siglo |II |a. C.|s}}).]]

De cerca del 300 a.&nbsp;C. es la decoración de la [[Delos#Monumento de los Toros|Casa de los Toros]] en [[Delos]], un inusual edificio largo y estrecho, con columnatas y profusa ornamentación escultórica, dividida entre las metopas, el friso continuo y las acroteras en el exterior, que por desgracia están muy erosionadas, en el interior se presenta otro gran friso con escenas marinas y capiteles zoomorfos. En el mismo lugar se encontraron esculturas que decoraban otros edificios, como el teatro, una stoa de [[Antígono II Gónatas]], el monumento a [[Mitrídates VI]] y la Casa del Tridente con una decoración en relieves de [[estuco]].<ref>{{Harvsp|Webb|1996|pp=134-142}}</ref> De datación insegura, pero es posible que sea otro ejemplo de esta misma fase es el Hieron del [[Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia]], con varios relieves de [[centauro]]s en el [[pronaos]] y en el [[pórtico]], y varias estatuas en el frontón norte, junto con Nikes acroteras, éstas debían ser de fecha posterior, posiblemente de mediados del {{siglo |II |a. C.|s}}<ref>{{Harvsp|Webb|1996|pp=145-147}}</ref>

Un monumento importante en la primera mitad del {{siglo |II |a. C.|s}} es el gran templo de Artemisa Leucopriene en [[Prefectura de Magnesia|Magnesia]]. Entre sus decoraciones se encuentra un friso con animales y otro friso que mostraba una [[Amazonomaquia]] con 340 figuras talladas, se encuentran en la actualidad repartidos entre los museos de Estambul y del Louvre.<ref>{{Harvsp|Richter|1980|p=39}}</ref> Su calidad es más bien tosca, pero su interés radica en la diversidad de soluciones plásticas que evitan cualquier monotonía. En la misma ciudad se encuentra un altar dedicado a [[Artemisa]] con decoración significativa, con muchos fragmentos en los que se observan figuras humanas y animales. Existía un friso entero con cabezas de toros, que se perdió durante la [[Segunda Guerra Mundial]]. De una fecha un poco más tardía está el altar de [[Dioniso]] en [[Cos]], en el que se cree que intervinieron los hijos de [[Praxíteles]] llamados [[Cefisodoto el Joven|Cefisodoto]] y [[Timarcos]] y donde sobrevive la mayor parte de un gran friso que muestra una procesión dionisíaca y escenas de batalla.<ref>{{Harvsp|Webb|1996|pp=89-91; 153}}</ref><ref>{{Harvsp|Richter|1980|p=153}}</ref>

[[Archivo:Berlin - Pergamonmuseum - Altar 01.jpg|center|thumb|700px|<div style='text-align:center'>Reconstrucción del [[Altar de Pérgamo]] en el [[museo de Pérgamo]] ([[Berlín]])</centerdiv>]]

[[Archivo:Luni pediment group.jpg|thumb|center|750px|<div style='text-align:center'>[[Frontón de Talamone]] de terracota.</centerdiv>]]

La decoración arquitectónica etrusca fue una de las líneas más típicas de su arte por su carácter único en el panorama helenístico. Esta tradición nació ya en el periodo arcaico y continuó a lo largo de su historia. A diferencia de otras culturas helenistas, que privilegiaban el uso de la piedra, los etruscos prefirieron como material la [[terracota]] la aplicaron para la decoración de toda la serie de elementos arquitecturales: [[frontón (arquitectura)|frontones]], [[metopa]]s, [[acrotera]]s, [[antefija]]s, [[capitel]]es, [[friso]]s y placas de revesticimiento. Las composiciones se caracterizaban por una relativa independencia formal de la estructura que los implicaba, y mostraban motivos que mezclaban el imaginario griego con el local. Un punto en el que estaban de acuerdo con la práctica de todo el mundo helenístico fue el hecho de que toda la escultura estaba vivamente [[policromía|policromada]]. Entre los más ricos ejemplos de esta aplicación se encuentra el [[Frontón de Talamone|frontón triangular de un templo en Talamone]], [[fracción geográfica|fracción]] de [[Orbetello]] en la [[Toscana]], del {{siglo |II |a. C.|s}}, según la reconstrucción se muestra varias escenas de la historia mítica de la guerra de [[Los siete contra Tebas]].<ref>{{Harvsp|Mateos Cruz|2009|p=257}}</ref>

Las figurillas de terracota formaban parte de lo cotidiano desde los periodos prehistóricos, pero en el helenístico, se inició una tradición diferente de figurillas creadas en serie a partir de moldes, que se trabajaban en estilo naturalista y con una variedad de temas que servían para varios propósitos —decoración, ex votos, ofrenda fúnebre—, una práctica de bajo coste que se extendió rápidamente por todo el mundo helénico. [[Tanagra]], junto con otras ciudades de [[Beocia]], fue conocida a partir de finales del {{siglo |IV |a. C.|s}} por la vasta producción de figurillas [[policromía|policromadas]] que representaban en su mayoría mujeres jóvenes vestidas con ropas sofisticadas, con espejos, abanicos, sombreros de ala ancha y otros símbolos de moda, se creó un nuevo repertorio formal en la antigua tradición de la estatuaria en [[cerámica]], que se cree inspirada en la [[comedia nueva]] de [[Menandro]].<ref>{{Harvsp|Pomeroy|1999|p=458}}</ref><ref>{{cita web|autor=Department of Greek and Roman Art|título=Tanagra Figurines'' In Heilbrunn Timeline of Art History|ubicación=Nueva York|editor=The Metropolitan Museum of Art|año=2004|url= http://www.metmuseum.org/toah/hd/tafg/hd_tafg.htm|idioma=inglés|fechaacceso=10 de febrero de 2012}}</ref> Estas imágenes son especialmente atractivas por la gran variedad de gestos y posturas, pero aunque Tanagra ha sido reconocida en este tipo de producción y prestó su nombre a todo este género de figuras —llamado «tanagrinas»— hay evidencias de que el estilo típico comenzó a desarrollarse en Atenas, extendiéndose desde allí hacia otros centros que quedan fuera del modelo de Tanagra, no siempre se usó el molde, y con una mayor variedad de tipos, incluidos esclavos, bailarines, hombres, ancianos, caballeros, niños, deidades, personajes teatrales, muñecos, animales, vasijas en miniatura y placas en relieve. Su nivel de calidad fue muy desigual.<ref>{{Harvsp|Thompson|1987|pp=238-239; 270-282}}</ref><ref>{{Harvsp|Chamoux|1967|p=353}}</ref>

Hacia el final del {{siglo |III |a. C.|s}} aparecieron el tipo de figuras sentadas y el de los maestros y filósofos, que presentaban características serias y contemplativas, con un tratamiento simplificado y el acabado más rudo aunque expresivo. También los colores se diversificaron, con tonos más claros, y eran relativamente pocos los conectados a contextos sagrados, mostrando esencialmente un uso profano de las figurillas. También se desarrollaron otras escuelas de terracota, como los de talleres de [[Mirina (Misia)|Mirina]] en [[Asia Menor]] a partir de la segunda mitad del {{siglo |III |a. C.|s}} y donde en unas excavaciones realizadas entre los años 1880 y 1882 se encontraron centenares de figurillas y otras tantas en [[Esmirna]] datadas a partir del {{siglo |II |a. C.|s}} De las diversas deidades encontradas, solo [[Eros]] siguió siendo un tipo muy común, los otros dioses, que ocasionalmente se identifican, muestran unas facciones más humanizadas por lo que se cree que su propósito fue puramente decorativo. La producción en serie en esta época gana en la variedad por la adición de detalles individualizados, después de la retirada de la pieza del molde mientras estaba todavía húmeda y antes de su cocción, con lo que se conseguía que no hubiera dos piezas idénticas.<ref>{{Harvsp|Richter|1980|pp=241-242}}</ref><ref>{{Harvsp|Thompson|1987|pp=194-302; 348-349; 371}}</ref>

Dificulta el estudio de la terracota del {{siglo |II |a. C.|s}} la relativa escasez de las figuras, su estado menos íntegro y la presencia en muchos lugares de las figuras de estilo retrospectivo y con frecuencia una mezcla de objetos de diferentes épocas en los mismos estratos arqueológicos, causado tal vez por abandonos en masa, complica el trabajo de datación. La evolución se encuentra en una disminución del número de figuras desnudas y una mayor profusión de imágenes aladas y de detalles individualizados sobre las piezas creadas en serie, con apariencia en muchos casos de piezas modeladas a mano. Las formas de estas figuras y su vestuario tienden a perder su organización en espiral y dar lugar a composiciones más estáticas, en un momento en que la sofisticada y fluida tradición de las de Tanagra estaba desapareciendo. En la transición hacia el {{siglo |I |a. C.|s}} los modelos antiguos habían perdido su vitalidad y la producción se convirtió en estándar, adquirió posiblemente un carácter de recuerdo turístico, ya que en ese momento Grecia no era más que una provincia romana, y como consecuencia de los saqueos romanos de las grandes ciudades, el material es escaso y se encuentra frecuentemente muy dañado. En cuanto a las demás regiones, el gusto romano se convierte en predominante a medida que el imperio se expande, aparecen influencias de los [[bárbaros]], y la producción de terracotas helenística llega a su término a finales del {{siglo |I |a. C.|s}}<ref >{{Harvsp|Thompson|1987|pp=369-382; 421-458}}</ref>

[[Archivo:Terracotta_sarcophagus_in_shape_of_an_etruscan_womanTerracotta sarcophagus in shape of an etruscan woman bg.jpg|thumb|Sarcófago etrusco de terracota policromada c.150 a. C.]]

Entre los griegos la costumbre del enterramiento en [[sarcófago]]s era raro en los períodos anteriores al [[período helenístico]]. Los muertos eran incinerados o enterrados en receptáculos discretos. Sin embargo, desde finales del {{siglo |IV |a. C.|s}}, con la mayor penetración de influencias de Oriente, donde este uso era generalizado, junto con el ejemplo etrusco, se multiplicaron los ataúdes para todo el cuerpo y las [[urna funeraria|urnas]], para la recepción de las cenizas de la [[cremación]], en piedra y terracota, a menudo con trabajos suntuosos en relieve y de grandes dimensiones, ostentando elementos arquitectónicos como columnas y la tapa en forma de tejado con acroteras, repitiendo el modelo de un [[templo griego|templo]], lo que les daba un carácter de monumento autónomo, en estos casos se podían instalar las tumbas en lugares interiores o en exterior en las [[necrópolis]].<ref>{{Harvsp|Marquand|2006|p=372}}</ref> Estas formas de arte fueron muy importantes en el universo religioso helenístico y continuaron más tarde en el mundo romano y seguida por el [[cristianismo]] con la adquisición de un gran prestigio. Cuando se amplió esta tipología, también comenzó a reflejar en la [[iconografía]] elegida para la decoración, los cambios en las concepciones griegas sobre la vida de ultratumba, como en el modelo de los niños retratados como héroes victoriosos, para simbolizar la pureza y la inmortalidad.<ref name="Honour178">{{Harvsp|Honour / Fleming|2004|pp=178-179}}</ref><ref>{{Harvsp|Golden|1998|p=111}}</ref>

La comprensión y justa apreciación de la escultura helenística se ve obstaculizada por varios factores. La datación y atribución de la autoría de las obras están llenas de dudas y contradicciones, su origen, función e identificación temática suelen ser puramente hipotéticas, gran parte de los originales han desaparecido y solo se conocen a través de copias romanas cuya fidelidad con el original siempre es una incertidumbre; las principales fuentes literarias son pobres y contradictorias; los nombres conocidos de los escultores son pocos, no hay grandes maestros de escuela con notable estilística que permitan establecer parámetros definidos para la cronología del estilo y localización geográfica de sus rutas y derivaciones; la distinción entre original y copia puede ser problemática y casi todo el {{siglo |III||s}} a. C, sorprende por los pocos restos que se han encontrado. Añadir a que todo el progreso reciente en la crítica tenía y sigue que hacer frente a un fuerte sesgo histórico en contra de la escultura helenística, que ve en ella solo una degeneración del mal gusto del clasicismo griego, una visión que solo hace unas décadas se comenzó a disolver para dar espacio a una visión más positiva y comprensiva de sus méritos intrínsecos,<ref name="Rid3-12"/><ref name="Cha353"/> aunque algunos todavía consideran que, con sus razones, el virtuosismo técnico puede haber sustituido el contenido, que la libertad estética y la privatización del gusto dieron lugar a una caída en la calidad general y que las obras a menudo sufren trivialidades y excesos sentimentalistas, que fácilmente caen en el melodrama y dar lugar a un énfasis en el lado patológico de la realidad.<ref name="Green338"/> El arte helenístico se le puede clasificar también en un arte «atormentado», rico en movimiento, que presenta claramente los sentimientos de violencia, pasión, dolor que se pueden apreciar en los relieves de los grandes altares, pero también temas que van desde la vejez decrépita hasta los de la primera infancia en esculturas de bulto redondo como ''La anciana ebria'' o el ''Niño de la oca'', en ambas se observa claramente la composición piramidal que obliga al espectador a girar en torno a la escultura para poder apreciarlas en su totalidad.<ref>{{Harvsp|Chamoux|1967|p=90}}</ref>

* {{Enlace roto|1={{cita libro|apellido=Corbelli|nombre= Judith A|url= http://books.google.com/books?id=xpTZXuNwFzEC&pg=PA5&dq=hellenistic+sarcophagi&lr=&as_drrb_is=q&as_minm_is=0&as_miny_is=&as_maxm_is=0&as_maxy_is=&as_brr=3&as_pt=ALLTYPES#PPA45,M1 |título=The Art of Death in Graeco-Roman Egypt |editorial=Osprey Publishing|año= 2006|idioma=inglés|isbn=9780747806479}} |2=http://books.google.com/books?id=xpTZXuNwFzEC&pg=PA5&dq=hellenistic+sarcophagi&lr=&as_drrb_is=q&as_minm_is=0&as_miny_is=&as_maxm_is=0&as_maxy_is=&as_brr=3&as_pt=ALLTYPES }}

* {{Enlace roto|1={{cita libro|apellido=Marquand|nombre= Allan |apellido2= Frothingham|nombre2=Arthur|url=http://books.google.com/books?id=7UqFtrAt6iQC&pg=PA104&dq=%22hellenistic+sculpture%22&lr=&as_drrb_is=q&as_minm_is=0&as_miny_is=&as_maxm_is=0&as_maxy_is=&as_brr=3&as_pt=ALLTYPES#PPA110,M1 |título=A Text Book of the History of Sculpture|editorial= Kessinger Publishing|año=2005|idioma=inglés|isbn=9781417983810}} |2=http://books.google.com/books?id=7UqFtrAt6iQC&pg=PA104&dq=%22hellenistic+sculpture%22&lr=&as_drrb_is=q&as_minm_is=0&as_miny_is=&as_maxm_is=0&as_maxy_is=&as_brr=3&as_pt=ALLTYPES }}

* {{Enlace roto|1={{cita libro|apellido=Tarbell|nombre=Frank B|url= http://books.google.com/books?id=qj51VNHxvP0C&pg=PA244&dq=%22hellenistic+sculpture%22&lr=&as_drrb_is=q&as_minm_is=0&as_miny_is=&as_maxm_is=0&as_maxy_is=&as_brr=3&as_pt=ALLTYPES#PPA243,M1 |título=A History of Greek Art|editorial=Kessinger Publishing|año=2004|idioma=inglés|isbn= 9781417928620}} |2=http://books.google.com/books?id=qj51VNHxvP0C&pg=PA244&dq=%22hellenistic+sculpture%22&lr=&as_drrb_is=q&as_minm_is=0&as_miny_is=&as_maxm_is=0&as_maxy_is=&as_brr=3&as_pt=ALLTYPES }}